Memories.

INTRODUCCION

Memorias (Memories) (1995) - es una película de animación japonesa que incorpora tres cortos del aclamado creador y dibujante Katsuhiro Ōtomo. Las historias reunidas en esta selección permiten conocer un vistazo del estilo gráfico y narrativo del conocido autor y productor de manga y animé japonés. Con Memories explora el imbricado mundo de la ciencia ficción, próxima y utópica, imaginada por este autor y representada en multitud de sutiles detalles visuales y continuas referencias a la tradición de este género.

Son 3 las historias que vienen en este filme:



Magnetic Rose

Rosa Magnética (Magnetic Rose) es posiblemente la narración más representativa de esta colección. Una nave espacial es debe investigar una llamada de emergencia de lo que parece ser una estación espacial en ruinas. Una IA impresa de una diva de ópera amada y hastiada, controla las funciones de la estación, incluyendo sus sistemas de soporte de vida y (para un efecto más dramático) su holografía VR y sus sistemas nanotecnológicos de soporte.

Es quizás, también, la historia que más se asemeja a las grandes construcciones de este género. Magnetic Rose es un cruce entre la novela de aventuras y una historia de fantasmas. En ella participamos de un encuentro inesperado en las profundidades del espacio; embutidos en los protectores trajes espaciales y rodeados de los restos siempre presentes de un ambiente tecnológico muy denso, muy hard y muy ciberpunk. Se respira, asimismo, los ecos y rumores del imaginario de Arthur C. Clarke -en la visión de Stanley Kubrick- algunas de las constantes Dickianas y, evidentemente, todo el suspense de la ciencia ficción cinematográfica más reciente. Rosa magnética expone, además, la confusión entre diferentes planos de realidad; la presencia de fragmentos de memoria implantadas en una inteligencia artificial; las naves vacías y decadentes en contraste con los grandes espacios coloridos y barrocos; la soledad del espacio acompañada de una melodía clásica; la hermandad, el compañerismo y el coleguismo humano en la monotonía de la rutina estelar.

De los tres cortos en Memories, Magnetic Rose es generalmente considerado el mejor, con fans que a menudo alaban su potencia emocional y hábil dirección.

Dirigida por Koji Morimoto. Guión por el afamado director de anime Satoshi Kon, basada en una historia de Katsuhiro Ōtomo. Música de Yoko Kanno.



Stink Bomb

Bomba fétida es el título del segundo corto animado que nos aproxima a una visión más distendida y alegre del futuro más reciente; un Japón casi presente y contemporáneo y en el que la realidad se nutre de los miedos más actuales: la amenaza terrorista y los peligros de las investigación científica. Es una visión de la cultura japonesa actual, vista de una manera muy jocosa.

En el laboratorio de una corporación japonesa dependiente del gobierno el cual desarrolla fármacos en donde un joven llamado Nobuo Tanaka va a laborar afectado por una gripe. Por insistencia de su colega, toma algunas píldoras que resultan ser parte de un programa de armas biológicas (desarrollado por Japón en conjunto con Estados Unidos para usos militares determinados) —el joven pronto adquiere (literalmente) un olor corporal mortal y se convierte en una arma de destrucción masiva andante.

Cuando todos en la instalación quedan inconscientes informa el incidente al cuartel general en Tokyo y desde allí le dan la tarea de entregar algunos informes y la toxina, creyendo que está relacionado al incidente.

Las autoridades japonesas tanto como militares y políticas reaccionan ante esta grave situación utilizando las fuerzas de auto-defensa japonesas para controlar el hecho iniciando una evacuación general de las ciudades cercanas al accidente químico en el laboratorio y tratan de alguna forma frenar a toda costa el incidente. Tardiamente las autoridades japonesas se dan cuenta de que Nobuo es el principal emisor de la toxina por medio de su sudor y deciden asesinarlo a como de lugar para así detener la tragedia y evitar que siga liberando la toxina a lo largo de su trayectoria.

Automaticamente las fuerzas de auto-defensa japonesas con todo el poderío militar actual de aquellas deciden asesinar a Nobuo a cualquier costo, disparándole con misiles provenientes desde tanques Type 90 asta helicópteros de ataque Bell AH-1 Cobra en su variante AH-1S y aviones de combate F-15J en grandes cantidades, logrando sorprendentemente no asesinar a Nobuo lo cuál demuestra en la película la incompetencia de las fuerzas armadas japonesas.


El film se sostiene en la comedia negra asociada con la naturaleza ridículamente letal del personaje principal y la total ineptitud retratada por los militares japoneses; llamando tanques, artillería pesada e incluso bombarderos, los militares fallan en matar o tan sólo entorpecer el progreso del personaje hacia Tokyo en una pequeña Vespa. Entre otras cosas, este film es quizá digno de mencionar por su retrato de la sala de guerra de la JSDF (una escena común en películas kaiju) como bajo la fuerte influencia de los militares estadounidenses.

Dirigida por Tensai Okamura. Guión por Katsuhiro Ōtomo.



Cannon Fodder

Carne de cañón es un excelente relato de estilo steampunk que anticipa en cierto modo el posterior ejercicio del autor en su entretenido largometraje titulado SteamBoy. Representa una visión distópica de una sociedad futura anclada en una línea temporal similar a las descripciones de Julio Verne, H. G. Wells o George Orwell. En ella, una comunidad muy militarizada y adoctrinada tiene desde una ciudad amurallada un enfrentamiento interminable contra un enemigo invisible y distante; un alter ego de total oposición.

El sustento de todos depende de mantener y disparar los cañones: millones de cañones, cuyo tamaño va desde un rascacielos a una botella de cerveza. La ciudad entera son cañones: toman el lugar chimeneas, disco satelitales y antenas de Tv. La acción se centra en un niño y su padre cargador de cañones, pero es en realidad acerca de las masas sin rostro que se esclavizan para alimentar y mantener a esta parodia de la máquina de guerra del siglo XX.

Durante el recorrido del filme, la ciudad es rodeada en niebla y la "ciudad enemiga" nunca es mostrada, llevando al espectador a especular si realmente hay un enemigo, o si la ciudad amurallada está simplemente disparando a las nubes para perpetuar una guerra que se ha convertido en toda su economía. Este tema es similar al de 1984 de George Orwell aunque con un tono surrealista. Por medio de técnicas de animación inusuales se crea la ilusión de que el filme de una sola toma continua o plano secuencia.

Carne de Cañón se fundamenta en el maquinismo moderno y los avances tecnológicos de las naciones europeas de finales del siglo XIX, cuando la confianza en el progreso, el orgullo patriótico y el expansionismo colonialista condujeron al primer enfrentamiento global. Presenta a una sociedad anclada en el vapor, la pólvora y la rueda dentada, lo que se ve reflejado en un estilo marcadamente expresionista; en donde rostros, manos y gestos comunican las privaciones y carestías de una población cansada y manipulada. Es un entorno que recuerda las constantes estilísticas históricas del ambiente prusiano, inglés y ruso. Una ucronía que recuerda por momentos algunos pasajes literarios célebres, como la visión londinense de Las naves del tiempo de Stephen Baxter.

Escrita y dirigida por Katsuhiro Ōtomo.